Выставки на майские в Москве и Петербурге: Виола, Фальк, Крисанов и поколение тридцатилетних

Пушкинский подготовил и открыл первую в России сольную выставку американского художника Билла Виолы — по сути живого классика видео- и медиаискусства. Среди его работ: движущиеся изображения, превращающиеся для зрителя в замедленные и детализированные видео, инсталляции, а также медиа- и саунд-арт для крупномасштабных проектов вроде концертов и опер (например, его видео были частью постановки «Тристана и Изольда» в Парижской опере). Всего на Волхонке представят свыше двадцати работ, созданных в период с 2000 по 2014 год, которые в полной мере раскрывают эстетический потенциал любимой Виолой технологии движущихся изображений, — именно за счет нее художник смог создать свой уникальный стиль, который впоследствии не раз был объектом исследования в теории медиа. Среди этих работ: «Огненная женщина» (2005), «Квинтет изумленных» (2000) и часть серии «Мученики» (2014).

В Третьяковку из Манежа приехал монументальный рассказ о вековой истории кинетического искусства в России. О том, как в нашем искусстве появились движущиеся объекты, кураторы рассказывают последовательно: в качество отправной точки они взяли русский авангард с его утопическим желанием переустройства мира с грезами о выходе в космос. Следующим рубежом всего двигающегося и фантастического стала эпоха реального освоения космоса: в 60–70-е художники вдохновляются космической эстетикой и даже разрабатывают проекты комнат отдыха на космической станции. В финале — работы современных художников, где движение запускается искусственным интеллектом и компьютерными алгоритмами. Всего в Третьяковской галерее представлены порядка четырех сотен произведений, так или иначе связанных с движением — в природе, истории, технике и художественном воображении.

ММОМА на Петровке подготовил масштабную и долгоиграющую ретроспективу одного из самых интересных представителей советского и российского наивного искусства Павла Леонова. Леонов, которому в 2020-м исполнилось бы 100 лет, начал первые художественные опыты еще в 60-е годы, но оставался фактически неизвестен вплоть до 90-х, когда его картины с диковатыми и «почвенными» образами трагикомичной русской жизни начали активно скупаться и выставляться. В итоге за последние три десятка лет Леонов стал едва ли не синонимом русского наивного искусства. Всего ретроспектива будет включать порядка 120 работ из различных музейных и частных коллекций.

Период пандемии не только подорвал нормальные паттерны жизни, в том числе в сфере современного искусства, но и привел к очередному расцвету конспирологии и всевозможных фейков. Новый проект «Гаража», задуманный в целях помощи российскому арт-сообществу, обращается именно к этой теме обезумевшего воображения эпохи коронакризиса (или «коронацена», как его обозначили в названии экспозиции). Из тысячи заявок были отобраны 33 участника, включая 11 групповых проектов (среди имен — питерские коллективы «Техно-Поэзия» и «Что делать», группа «МишМаш», художницы Федора Акимова, Ася Володина и другие). Внутри пространства выставки, оформленного по типу компьютерной игры, предстают фантастические, спекулятивные, но одновременно очень близкие к реальности и оттого и пугающие миры, объекты и фигуры. Если это и «спекуляции, фейки и прогнозы», то, по крайней мере, в музейном пространстве, в отличие от интернета, они действительно обретают смыслы.

Универсал Альбрехт Дюрер был крупным живописцем и теоретиком искусства, математиком и инженером-фортификатором, дизайнером витражей и разработчиком шрифтов. Но важнейшей стороной творчества немецкого гения, которая еще при жизни принесла ему европейскую славу, стала гравюра. Впервые экспонируемые гравюры из собрания Исторического музея на выставке поддерживают более 120 работ Дюрера из итальянской Брешии. Коллекция печатной графики мастера из пинакотеки Тозио Мартиненго — одна из лучших в мире по качеству отпечатков и их сохранности. Так, среди привезенного в Россию можно увидеть самую загадочную гравюру Дюрера «Меланхолия I» и знаменитую серию «Апокалипсис». Выразительность и сложность этих шедевров за пять веков, кажется, так и остались непревзойденными. Популярность гравюры Дюрера у современников организаторы выставки подтверждают множественными копиями, демонстрируемыми рядом с оригиналами.

На совместном проекте ММОМА и сообщества Kotä, которое занимается популяризацией экспериментальной музыки и смежных междисциплинарных явлений, 11 художников из России, Германии, Швейцарии и Аргентины представят проекты-исследования на стыке саунд-арта, био-арта, медиаискусства и технологий. Совместно с международной командой кураторов они отрефлексировали «сверхтекучесть» — постоянно мутирующие формы ощущения себя и времени и непредсказуемость внешних и внутренних процессов, в эпицентре которых находится современный человек. Пять этажей ММОМА в Ермолаевском превратятся в пограничное пространство между физическим и цифровым мирами.

Для многих советских художников Роберт Фальк стал проводником великих живописных традиций начала века и посредником между европейским и российским искусством. Он был одним из лидеров авангардистского «Бубнового валета», после революции преподавал живопись во ВХУТЕМАСе, затем десять лет работал в Париже, в 1937-м вернулся в СССР и дожил до хрущевской оттепели. За внешне спокойной по меркам ХХ века биографией стоит сложная творческая эволюция, этапами в которой стали импрессионизм, неопримитивизм, сезаннизм, кубизм, поворот «к старым мастерам», экспрессионистские тенденции и обобщение многогранного опыта в поздний период творчества. Все это разнообразие на выставке представлено двумя сотнями произведений художника из 19 музейных собраний и 24 частных коллекций. Открывается экспозиция скандально известной «Обнаженной в кресле», остро раскритикованной Хрущевым на выставке 1962 года в Манеже. История вокруг «возмутительного» шедевра, как это часто бывает, только подогрела интерес к творчеству уже почившего художника и окончательно превратила его в легенду.

«Охотники за искусством» — своего рода драматическая история о коллекционировании в годы оттепели и застоя. На выставке Кустодиев, Фальк, Кандинский, Коровин, Малевич, Пиросмани и другие именитые авторы — всего 70 работ — будут соседствовать с удивительными историями коллекционеров, которые продолжали собирать (а иногда и терять) произведения даже тогда, когда, например, авангард был совсем не в чести. Ряд этих историй и работ могли уже оценить посетители петербургской K Gallery, теперь же очередь за Музеем русского импрессионизма.

Художник армянского происхождения Рафаэль Мегал, давно живущий между Ереваном и Лос-Анджелесом, регулярно выставляется по всему миру и участвует в международных проектах (например, в 2017 году он оформил павильон Республики Армения на 57-й Венецианской биеннале). Чаще всего он создает яркие масштабные полотна, инсталляции и перформансы. Один из его любимых образов — хищные кошки, прекрасные и агрессивные, изящные и несущие смертельную опасность. Так, центральное место в экспозиции в ММОМА отведено известной инсталляции Мегала, представляющей собой скульптуры девяти черных пантер, которые стоят на армянских национальных коврах и разрывают копию картины «Художник и его мать» живописца Аршила Горки. Семья последнего подверглась гонениям во время геноцида армян, а эмигрировав в США, Горки стал одним из ведущих американских экспрессионистов XX века. Мотивы тревоги, скрытой угрозы, фрагментарности и хрупкости бытия продолжаются в авторских сериях Мегала «Пантеры в моем саду» и «Фарфоровые идолы». Тема поддержана декоративным фарфором советских времен.

Американский фотограф-документалист Лорен Гринфилд после окончания Гарварда начинала работать в журнале National Geographic. Однако от съемок природы и животных вскоре перешла к не менее интересным объектам изучения — людям. За десятилетия исследований Гринфилд отразила в своих проектах такие явления современного общества, как ранняя потеря невинности, анорексия, детский бизнес и культ потребления. Проект Лорен Гринфилд по изучению образа жизни и привычек сверхбогатых людей вылился в серию фотовыставок, а также в книгу «Generation Wealth» («Поколение изобилия») и одноименный фильм 2018 года. Гринфилд не осуждает своих героев, а приглашает зрителя вместе порассуждать над вечным вопросом — есть ли в деньгах ли счастье. Некоторые истории художницы вызывают у обывателя ироничную усмешку. Например, на одном из фото рэпер демонстрирует на зубах декоративные накладки из платины и бриллиантов за $ 50 тыс., на другом — представительница крупной американской компании запечатлена в день своего бракосочетания в специально изготовленной круглой стеклянной карете, как в сказке про Золушку, запряженной шестеркой белых пони. Но нередко за картинами избыточного потребления и попытками приобрести материальные доказательства социального статуса проглядывают душевная неустроенность героев и тоскливый поиск себя.

Созданные сто лет назад, осенью 1920 года, Высшие художественно-технические мастерские были призваны взрастить новое поколение художников-производственников, конструкторов светлого будущего. Творчество теперь не мыслилось в отрыве от практики, а желательно и от идеологии. Как писал Николай Ладовский, знаменитый педагог архитектурного факультета ВХУТЕМАСа, город должен быть «проводником социалистических форм организации быта и воспитания трудящихся». Музей архитектуры имени Щусева к столетнему юбилею ВХУТЕМАСа (немного сдвинувшемуся из-за пандемии) подготовил выставку, рассказывающую о жизни архитектурного факультета этого учебного заведения и новаторских методах обучения, которые вводили его знаменитые преподаватели. Вниманию посетителей представлены более 200 предметов, среди которых архитектурная графика и живопись, макеты и проектные работы, фотографии и другие материалы. Многие экспонаты будут показаны широкой публике впервые.

Итальянское Arte povera или бедное искусство — художественное направление 1960–1970-х годов, представители которого проповедовали декоммерциализацию творчества и начинали борьбу с доминирующей культурой потребления. Художники пытались сбросить искусство с золотого пьедестала, сознательно выбирали «бедные материалы», стремились в очередной раз за мировую историю освободиться от ограничений традиционных форм и художественного пространства. По аналогии с итальянским термином куратор Марат Гельман в 2008 году ввел понятие «русское бедное», назвав так первую выставку в Музее современного искусства в Перми. Сегодня галерея «Эритаж» предлагает сравнить эстетику бедного на примере работ представителей итальянского течения и участников пермской выставки. Кураторы предлагают подумать, почему итальянское бедное просуществовало не дольше одного десятилетия, тогда как русское, кажется, будет длиться бесконечно.

Кажется, впервые в Петербурге история национальной скульптуры представлена на столь обширном художественном материале. 150 уникальных работ разных эпох и стилей — с конца XVIII века до начала XX, от Шубина до Матвеева — выстроены в прихотливую композицию оперным режиссером Василием Бархатовым. История скульптуры представлена сама по себе, вне привычного соседства с живописью и графикой, но при этом неожиданно дополнена оперой, звучащей в выставочных залах «Манежа». В итоге такая экспериментальная драматургия экспозиции лишь усиливает самостоятельность и самоценность скульптуры как жанра изобразительного искусства — и ее российского варианта в частности.

Русский музей представляет большую выставку работ Николая Рериха — не только художника, но и одного из главных отечественных исследователей эзотерической культуры Востока. Рерих не просто научно-отстраненно исследовал Восток — он изучал его изнутри и привлекал внимание к необходимости диалога культур и сохранения культурного наследия. В этот раз, впрочем, объектом изучения является живопись и графика самого Рериха — всего здесь представлено порядка 80 работ из хранилищ Русского музея, в том числе картины, написанные им в Индии в последний период жизни.

Календарь марки Pirelli в свое время был оплотом фешенебельного эротизма, однако со временем стал уходить от этого образа в более нейтральные и одновременно экспериментальные области. В Эрарте будут представлены снимки классического периода развития календаря — их авторами выступили такие иконы фешен-фотографии, как Хельмут Ньютон, Брюс Вебер, Карл Лагерфельд, Ричард Аведон и Энни Лейбовиц. Одновременно акцент будет сделан на 44-м выпуске 2017 года, созданном в привычном монохроме Петером Линдбергом, — он служит прекрасным примером эволюционного поворота знаменитого календаря.

В Строгановском дворце подготовили большое фотопутешествие по мирам «Ленинградского рок-клуба» — того самого, давшего музыке «Аквариум», «Зоопарк», «Кино» и еще десятки других групп и исполнителей. Среди артефактов: отпечатки автора обложек к альбомам «Аквариума» и «Зоопарка» Андрея «Вилли» Усова, архивные цветные снимки Джоанны Стингрей, закулисный быт рок-клуба на фотографиях Дмитрия Конрадта, Наташи Васильевой-Халл и Владимира Быстрова. Помимо фотографического взгляда изнутри и из прошлого на выставке будут представлены афиши концертов и другие артефакты из жизни рок-клуба.

Новая большая экспозиция в Мраморном дворце обращается к опыту поколения тридцатилетних петербургских художников (во много опостылевшее слово миллениалы — это про них). На выставке подчеркивается двойной характер многих работ молодых авторов: с одной стороны, постоянное внимание к внутреннему опыту, к проблемам саморепрезентации и постоянно ускользающей идентичности, а с другой — тщательные поиски новых форм, сочетания различных техник и медиумов. Трехмерные рисунки Беньковича и Фатхуллиной, нити вместо линий у Ахметгалиевой, цифровые технологии вместо кисти и масла у Егора Крафта, существование объектов между галереей и улицей у Владимира Абиха — это лишь ряд примеров таких поисков, которые одновременно являются часто тревожными и травматичными субъективными высказываниями.

В 1969 году в ЛОСХе состоялась последняя ретроспектива известного художника-авангардиста Натана Альтмана — за год до его смерти в Ленинграде. Спустя более чем полвека K Gallery повторяет этот жест: для новой экспозиции в публичных и частных коллекциях были отобраны свыше ста работ автора одного из самых знаменитых портретов Анны Ахматовой. Здесь выставлены не только живопись и графика Альтмана, но также и скульптура, фарфоровые изделия, фотографии, театральные эскизы и другие артефакты. Этот срез позволяет оценить впечатляющие бэкграунд и развитие Альтмана: от кубиста и участника выставок «Мира искусства» и «Бубнового валета» в дореволюционной России до одного из знаковых педагогов и культуртрегеров советского искусства в послевоенные годы.

Арт-пространство «ДК „Громов“» представляет новую концептуальную экспозицию «Явные движения» — из названия уже ясно, что тема пространства и перемещений в нем является своего рода лейтмотивом проекта. Так, на первом этаже работы знаковых российских художников — Ирины Кориной, Виктора Алимпиева, Ольги Гротовой, Ольги Чернышевой и других — вплетены в архитектурную инсталляцию авторства Александра Морозова, Анны Мартыненко и Юрия Сучкова. В результате мы получаем переплетение художественных объектов, архитектурных форм, физического пространства и диджитала. Второй этаж занят site-specific-работами, также исследующими феномен пространства и его современное восприятие — в том числе через обращение к актуальным социальным проблемам.

В Санкт-Петербурге продолжают отмечать (если это слово уместно) 500 лет со дня смерти Рафаэля — вслед за выставкой в Эрмитаже в Музее Академии художеств открылась экспозиция «Рафаэль. Версии». Как отмечают кураторы, интерес к творчеству мастера Возрождения в России начался при Екатерине Великой — именно тогда изучение его работ и стиля стали частью программы в Академии художеств. В результате целая плеяда классических российских живописцев — от Карла Брюллова до Федора Бруни — оставила после себя копии известных картин Рафаэля, которые можно увидеть в экспозиции музея.

В галерее Anna Nova на Жуковского подготовили первую в Петербурге персональную выставку художника и инженера (а с недавних пор и лайв-перформера) Дмитрия Морозова, работающего под псевдонимом ::vtol::. Тщательно сконструированные и запрограммированные объекты и инсталляции ::vtol:: обычно представляют собой мини-экосистемы, в которых переплетаются цифровые коды, железо, биоматериалы, звук и свет — а изнутри всей этой технологической констелляции возникают новые смысловые пространства и мифологемы. Всего в галерее будет представлено шестнадцать работ, четыре из которых были созданы специально для петербургской выставки. Второй этаж занимает «Геологическая трилогия» — исследование природных и технических феноменов на пространстве СНГ, которое аккуратно ложится на актуальную проблематику антропоцена.

Андрей Крисанов — один из менее воспетых героев ленинградского андеграунда конца 80-х — начала 90-х. Друг юности Бугаева-Африки, с которым вместе переехал в Ленинград, Крисанов был участником объединения «Новых художников» Тимура Новикова, временно участвовал в группах «Поп-механика и «Кино», оказав заметное влияние на эстетику обеих команд: так, именно ему принадлежит авторство обложки альбома «Группа крови», а также сценических декораций для концертов «Поп-механики». В Центре Курехина представляют самое, пожалуй, на сегодняшний момент, полное исследование эклектичного творчества Крисанова — живопись, графику, пластику, фото, видео, многочисленные эскизы и зарисовки, в которых проявляется его идиосинкразический подход к образности, формам и тематике.