10 выставок осени в Москве: Врубель, Хауснер и первые цветные фотографии

Спустя почти сто лет после выставки в Нью-Йорке, ставшей коллективным портретом русского искусства первой четверти XX века, ее эхо подготовили в Музее русского импрессионизма. Год понадобился кураторам, чтобы найти осевшие в коллекциях по всему миру картины. Посетители смогут увидеть семь десятков работ, созданных ключевыми художниками начала века. Среди них — Борис Кустодиев, Лев Бакст, Игорь Грабарь, Михаил Ларионов и другие. Иными словами, получится обширная панорама русского искусства от импрессионизма до кубофутуризма.

Главная выставка сезона в Новой Третьяковке: впервые с 1956 года экспозиция объединит произведения Михаила Врубеля из Третьяковской галереи и Русского музея. Всего будет представлено более 300 работ — живопись, графика, монументальные панно, скульптура, майолика и фотографии театральных костюмов — из девяти музеев и семи частных коллекций. На выставке наконец воссоединятся две части картины «Пророк» (они хранятся в разных музеях), а еще сразу три «Демона» — последний раз такое было 100 лет назад.

Сказочно-мистическое творчество Врубеля напоминает единую систему, пронизанную сквозными мотивами. Поэтому на выставке кураторы выстроили цепочки похожих сюжетов. Например, мотив морской царевны начинается с костюма, который художник создал для своей жены — певицы Надежды Забелы-Врубель, исполнявшей партию волховы в опере «Садко». И потом встречается в ее портрете, майоликовой скульптуре «Волхова», на блюде «Садко» и в картине «Жемчужина».

Выбор абстрактной, почти безбрежной тематики для выставки «Служба времени» позволил собрать весьма эклектичную подборку работ — скорее каталог востребованного искусства, чем артикулированное кураторское размышление. Внимание к темпоральности подразумевает акцент на перформансе, который представлен великими китайцами Тейчином Се и Хэ Юньчаном, членовредительством Андрея Кузькина, самоубийственным жестом Елены Ковылиной и другими работами и проектами. Однако чисто рефлексией над временем выставка не ограничивается, проблематизируя также вопросы тоталитаризма и военных преступлений, ностальгии, экологии, телесности и повседневности.

Начав в 1977-м как сценограф и впоследствии создав декорации для постановок многих пьес и опер в ведущих театрах мира, в 1992 году Хауснер решила сосредоточиться исключительно на живописи. Впрочем, театральность как тема и как прием остается центральным элементом ее творчества: на уровне мизансцены, позы, того, как на картинах изображен свет. Параллельно в своих работах Хауснер исследует роль женщины в жизни и в искусстве, создавая своеобразную женскую вселенную. В доехавшую до Москвы экспозицию входят три десятка живописных работ, а также фотографий, которые Хауснер сделала при подготовке к их написанию.

Алексей Венецианов одним из первых стал изображать повседневную жизнь русских крестьян. Он создал собственную школу, где обучал молодых художников раскрывать душевную красоту и достоинство простого русского человека. На выставке представлено более 80 произведений, привезенных из главных российских собраний. Это и жанровые картины, посвященные материнству и полевым работам, и интерьеры, и портреты юных девушек, стариков и детей. Помимо работ самого Венецианова на выставке можно увидеть картины его учеников — Алексея Тыранова, Никифора Крылова, Григория Сороки и других. Кураторы предлагают взглянуть на них через призму категорий «пространство», «свет» и «тишина» неслучайно. Именно они позволяют увидеть главные особенности «венециановской школы»: полотна полны света и воздуха создают ощущение неспешности и соединяют в себе романтическую поэтичность и бытовую конкретность.

Первые российские цветные фотографии обладают особенной ценностью, так как из-за несовершенств ранних технологий их сохранилось немного. Поэтому уже более двадцати лет московский Мультимедиа-арт-музей бережно собирает такие работы и на новой выставке показывает краткий конспект того, как цветная фотография развивалась в России с 1860-х по 1970-е годы.

В экспозицию вошли 248 снимков Сергея Левицкого, Петра Веденисова, Василия Улитина, Александра Родченко, Всеволода Тарасевича, Дмитрия Бальтерманца и других российских фотографов. На них можно проследить, как менялась жизнь в стране на протяжении столетия. Помимо снимков на выставке представлено слайд-шоу фотографа-концептуалиста Бориса Михайлова. В 1970-х годах, когда в Москве процветало неофициальное искусство, он показывал его на проекторе в узком кругу друзей и единомышленников.

На большой ретроспективной выставке впервые покажут, как развивался художественный стиль современного российского художника Андрея Красулина. Московский музей современного искусства совместно с галереей Pop/off/art собрали более 200 произведений Красулина: от ранних скульптур 1960-х годов до поздних живописных и графических работ. Экспозиция построена не в привычном хронологическом порядке — кураторы выявили в творчестве художника перекликающиеся нарративы, сгруппировали их и создали словарь главных тем и приемов Красулина.

Красулин окончил Строгановку, и в советское время он много работал над госзаказами: украшал театральные вестибюли барельефами, а площади — мемориальными статуями. Постепенно художник стал использовать в своих скульптурах непривычные материалы — картон, дерево, веревки и проволоки, — а также создавать графические и живописные работы. Избегая каких-либо ярлыков, Красулин называет свой мультидисциплинарный подход просто «практикой», и посвящена она теме памяти.

Мелвин Соколски начал снимать в возрасте 10 лет, используя фотокамеру своего отца, уже в 21 год присоединился к рабочему штату глянцевого издания Harper’s Bazaar, а к середине 60-х, когда фотографу не было и тридцати, арт-директор журнала Генри Вулф дал ему полную творческую свободу. В результате со временем манера Соколски, в которой сюрреалистические элементы соединялись с уличной эстетикой, навсегда изменила фешен-фотографию. Сам он так формулировал свое кредо: «Умение видеть не так, как все: чем радикальнее ваша точка зрения отличается от общепринятой, тем интереснее получится кадр. И еще — быть мечтателем».

Юрий Пименов — вхутемасовец, который входил вместе с Александром Дейнекой и Андреем Гончаровым в «Объединение трех» и стоял у истоков Общества художников-станковистов. В своих работах художник отражал советскую действительность, исповедуя творческий принцип «прекрасного мгновения». Его творческая манера менялась: от экспрессионизма на раннем этапе до обновленного импрессионизма и масштабных плакатных картин в зрелый период. Главным, однако, всегда оставалось внимание к московским пространствам и населяющим их жителям.

Третьяковская галерея подготовила первую ретроспективу художника. Она включает более 170 экспонатов: живописные полотна, графику и мультимедийную инсталляцию о панно «Физкультурный парад», которую из-за плохой сохранности не удалось привезти из Нью-Йорка.

В Успенской звоннице и Патриаршем дворце собрали более двухсот экспонатов, посвященных многовековой истории российско-французских отношений. Они начались в 1063 году, когда дочь Ярослава Мудрого Анна вышла замуж за французского короля Генриха I. Из Франции на выставку привезли Реймсское Евангелие — главный символ дружбы двух стран: по легенде, оно было частью приданого княжны Анны. В XVI веке книгу поместили в Реймсский собор — и на ней стали приносить присягу французские короли.

Также на выставке представлены картины из собрания Пушкинского музея, кружева, ювелирные изделия, раритетные ружья и серебряные сервизы. Их заказывали у знаменитых французских мастеров для российских императоров или получали в дар от дипломатов. В экспозицию также вошли экспонаты, посвященные наполеоновским войнам, «русской Ницце» и Всемирной выставке 1867 года в Париже.