Выставки декабря в Москве: русское зодчество, Зак Кахадо и конструктивизм

Первая выставка нового центра «Зотов» рассказывает о рождении конструктивизма — художественного явления, изменившего искусство ХХ века. Сперва вспоминают о предшествовавших ему авангардных экспериментах: кубофутуризме Татлина, музыке Скрябина и поэзии Хлебникова. А затем уже показывают, как конструктивисты применяли свои идеи в разных сферах жизни, планируя изменить мир. Помимо архитектуры, они отразились в театре, музыке, танце, мебели, полиграфии, производстве и даже отношении к человеческому тексту. Поэтому в экспозиции представлены макеты зданий и механических декораций, реплики шумовых аппаратов Владимира Попова, архитектурные листы, партитуры машинной музыки, пространственные конструкции Родченко и видео с упражнениями из курса Владимира Мейерхольда «Биомеханика».

В ММОМА на Петровке проходит персоналка американского художника черкесского происхождения Зака Кахадо. В своих работах он обращается к национальной самобытной культуре Северного Кавказа, переосмысляя ее наследие в инсталляциях и полотнах, близких по стилю к американскому экспрессионизму второй половины XX века. Чтобы приблизить их к традиционному искусству, художник смешивает масляную краску с землей, привезенной с Северного Кавказа, оставляет на холсте следы копоти и прожоги, а также внедряет в них артефакты этнического происхождения: национальные костюмы, кинжалы, вышивки. В поисках собственной идентичности в каждом произведении Кахадо также отражает личную историю — все названия так или иначе обращены к семье, а на поверхности многих работ белым цветом нанесены фамильные знаки адыгских родов.

В Третьяковской галерее подготовили экспозицию об одном из крупнейших отечественных архитекторов Алексее Щусеве. В ее основу легли 200 недавно приобретенных листов — рисунки и проекты Марфо-Мариинской обители и Казанского вокзала. Они представлены в контексте произведений знаменитых художников эпохи модерна, тоже работавших над этими проектами: Бенуа, Серебряковой, Добужинского, Кустодиева, Нестерова. Кроме того, выставка раскрывает Щусева как музейного куратора, внесшего большой вклад в развитие Третьяковской галереи сначала в качестве ее директора (1926–1928), а затем — главного архитектора (1928–1929).

Новое экспериментальное пространство Музея АЗ на Маросейке открывается выставкой Федора Семенова-Амурского — художника, который формально мог бы принадлежать к нонконформистам, так как наиболее активный период его работы пришелся на 1960–1970-е годы. Но пройдя школу академической живописи и авангарда, он не примкнул ни к эстетике новейших течений, ни к позднее сформировавшемуся соцреализму, а переосмыслил европейский модернизм — творчество Матисса, Сезанна и Боннара. На выставке представлено около 50 работ Амурского, а также скульптуры нонконформиста Игоря Шелковского. Именно он организовал первые парижские выставки художника во Франции в 1988 и 1993 годах и оформил работы в рамы, напоминающие его скульптурные объекты.

Музей архитектуры им. Щусева совместно с музеем-заповедником «Кижи» подготовил проект о реставрации памятников русской деревянной архитектуры, которой занимался Александр Ополовников. На выставке представлены его высокохудожественные чертежи и отмывки с видами деревянных храмов, жилых домов, мельниц и острогов, созданные во время экспедиций: от Русского Севера до Якутии. Также экспозицию дополняют макеты архитектурных сооружений и авторские фотокадры Ополовникова 1950–1970-х годов, запечатлевшие их до и во время восстановления. Отдельный раздел посвящен тому, как реставратор создавал музеи деревянного зодчества, в том числе музей-заповедник «Кижи».

В фонде In Artibus можно посмотреть на индийское современное искусство и традиционные ткани из собрания Екатерины и Андрея Теребениных. Противоречие в этом сочетании лишь кажущееся: культурные традиции и художественные приемы, стили и эпохи Индии не столько сменяют, сколько дополняют друг друга. Поиску этого единства в индийском многообразии и посвящена эта выставка. Здесь можно увидеть работы разных по стилю индийских художников: как именитых (V.Ramesh, Atul Dodiya, Anindita Bhattacharya, Gauri Gill, Reena Kallat), так и тех, чье творчество просто вызвало отклик у коллекционеров во время их семилетнего пребывания в Индии. Проект курировала индийская искусствовед Тунти Чаухан, чья галерея современного искусства Threshold в Дели отмечает в этом году 25-летие.

Новая выставка в Галерее искусства стран Европы и Америки XIX–XX веков посвящена органическим формам дерева, которые вдохновляли многих мастеров ХХ столетия. Здесь можно увидеть деревянные скульптуры идеолога «органического движения» в русском авангарде Михаила Матюшина, работы из субтропических пород Степана Эрьзи, а также фрагменты древних деревьев, ветви и коряги, которые изображал на своих картинах Дмитрий Краснопевцев. Завершает экспозицию видеоработа современной арт-группы «Провмыза» под названием «Отчаяние», в которой люди пытаются стать частью окружающей их природной среды и слиться с ней.

Следующий совместный проект ММОМА с онлайн-галереей дизайна Sample — первая персоналка Надежды Лихогруд с ее керамическими работами, созданными специально для выставки. В них художница синтезирует классическую форму с воспоминаниями о постсоветском детстве и современными реалиями социальных сетей. Так, серия «Saved» одновременно напоминает галерею сохраненных фотографий в телефоне и советскую плитку. А формат круга в серии «Highlights» одновременно отсылает и к популярному во всех приложениях формату контента, и к круглым барельефам московского метро. В этом проекте Надежда Лихогруд намеренно отказывается от цвета, размышляя о свойствах памяти и ее неоднородности в условиях быстрых информационных потоков.

В двух залах Музея Вадима Сидура представляют персональный проект Александра Плюснина об антропологическом кризисе в технологичном мире многозадачности. «Мир без людей мне не интересен» — фраза Вадима Сидура, которую тот произнес в одном из интервью 1970-х годов, рассуждая о развитии технологий и внедрении их в жизнь. Сегодня Плюснин продолжает размышлять о технологической составляющей мира и об утрате человеческого в световой инсталляции, состоящей из скульптурных объектов.

Заключительный эпизод большого проекта Центра Вознесенского об оттепельных книжных дизайнерах состоит из трех частей. Сначала кураторы знакомят с популярными детскими журналами второй половины ХХ века — «Веселые картинки», «Мурзилка», «Костер», «Колобок», — иллюстрации для которых создавали Эрик Булатов, Михаил Беломлинский, Виталий Стацинский, Олег Васильев, Илья Кабаков и другие художники-нонконформисты. В отдельном зале художник и куратор Павел Пепперштейн представляет работы своих родителей — рукописи детской писательницы Ирины Пивоваровой и созданные к ним рисунки Виктора Пивоварова. А в последней части музыкальный критик Денис Бояринов предлагает проследить, как менялись дизайн обложек, мастеринг звука, аранжировки советской эстрадной музыки 60-х, открывшейся новым влияниям и ориентирам.