Выставка

Борис Кочейшвили

Выставка Б. Кочейшвили в Институте искусствознания

В истории постсоветского искусства Борис Кочейшвили останется как мастер классического искусства. В 1970–80-е годы художник был равно далек как от искусства протеста, так и от официального реализма, в 1990-е он не стал «актуальным» художником.
При кажущейся абстрактности его картин толчком к произведению всегда служат натурные зарисовки. Занятия в мастерской Тейса, вслед за окончанием Художественного училища 1905 года с кон. 1960х по 1975 г., отточили арсенал средств художника: линия, обозначающая пространство, силуэт, жест. Проблемы, которые решает Кочейшвили, - ровесники живописи как вида искусства: как написать человека и сделать его узнаваемым, когда он все время меняется, как совместить объемность и плоскость, какое пространство может передать не повседневность, а мир, сотворенный из знакомых предметов заново, так, что в нем неожиданно возникает свой собственный ритм и чувство. Результат: особое пространство, близкое русской иконе, где могут совмещаться ракурсы, совершенное средиземноморское чувство формы и правда жеста, тонкое переживание цвета и света.
На выставке показаны четыре серии работ, созданных в 2006-2007 гг.
В каждой серии работ Кочейшвили есть внутренний диалог с великими произведениями художников: с иконой Рублева, с пермской деревянной скульптурой, с Тицианом и Сезанном. Кочейшвили говорит с ними на одном языке классического искусства с его художественной и пластической проблематикой. Это позволяет нам посвятить выставку Бориса Кочейшвили юбилею искусствоведа Марины Ильиничны Свидерской, которая своими работами о европейских художниках от 16 до 19 века обращает нас к самой сути художественных поисков классического искусства.

Рельефы
Рельефы Бориса Кочейшвили – трудоемкая, кропотливая техника. Простые повседневные подручные средства создают на оргалите выпуклую жизнь. Основное действующее лицо здесь свет: если он правильно падает, то рельеф становится чудом пространственной игры. Балансируя на грани живописи и скульптуры он манит зрителя как головоломка: то он предлагает тебе уйти в глубину (“Женщины в окне”), то выталкивает на тебя предметы мебели (“Кресло”). Художественный эффект возникает из парадокса: картина без цвета и скульптура в раме и на плоскости.

Малые голландцы.
Серия “Малые голландцы” посвящена, в основном, близким людям и выполнена в небольшом формате. Золото здесь – это не только мерцающая поверхность, но и тепло. Иногда эти образы полны иронии, иногда своим двуцветием они напоминают какую-то божественную фотографию.

Золотое присутствие.
Золото на черном серии «Золотое присутствие» позволяет добиться абсолютной выразительности силуэта. Но в этой живописи есть еще одно качество. Также как и белый рельеф золото оживает при свете. Рельеф показывает глубину пространства, золото наполняет пространство картины мерцающей, меняющейся жизнью. И в том и в другом случае свет заменяет цвет. Обращение к золоту сегодня всегда семантически нагружено. Часто его используют с иронией. У Кочейшвили золото есть образ возвышенного.

Цветные вещи.
Серия “Цветные вещи” была написана летом после путешествий. Увиденные образы – здания, улицы, трансформировались в зрительные формулы. «Город, залитый светом», «Средиземноморский пейзаж» являет нам общую живую геометрию места. Свет сделал пространство плоским, остался только цвет.